Depois da comemoração dos trinta anos da Galeria Quadrado Azul o Manuel Ulisses reincide e convida-me para organizar uma exposição na sua galeria no Porto a propósito da celebração dos trinta e cinco anos de atividade.
Constatação primeira: estes cinco anos não valem. Foi tudo demasiado rápido e estranho.
Constatação segunda: dever-lhe-ia ter dito que não – por excesso de trabalho-, mas dois argumentos sobrepuseram-se a qualquer dúvida: a amizade e confiança que nos liga e a minha curiosidade quase mórbida por tudo aquilo que a Galeria mantém no seu acervo.
Se somássemos todos os artistas representados neste acervo e a importância das respetivas obras, esta poderia ser uma exposição a ter lugar em qualquer museu deste país. No entanto, importava perceber como encarar este lado celebratório mediante os constrangimentos físicos que o espaço da galeria no Porto impõe.
Decidi, assim, restringir-me a artistas que de uma forma indelével marcaram a história da galeria. E o resultado, por mais indigente que fosse a minha escolha e a montagem da exposição, diga-se em abono da verdade, seria sempre superlativo. No entanto, sem qualquer falsa modéstia, que o resultado é verdadeiramente surpreendente. A matéria-prima a isto obriga.
Ângelo de Sousa, Zulmiro de Carvalho, Paulo Nozolino e Francisco Tropa: noutro contexto não seriam nomes a prever numa exposição coletiva. O que espero é que quem esteja a ler estas palavras e a ver a exposição perceba, sem qualquer hesitação, de que se tratam aqui de presenças maiores da nossa arte e, fundamentalmente, que apesar dos abismos formais e conceptuais que os separam, de repente e em sobressalto, as peças agora apresentadas criam uma discursividade única sublinhada pelos espaços percetivos e de pensamento que intervalam as suas presenças.
Por falar em perceção: Ângelo de Sousa terá sido um dos artistas que mais diligentemente trabalhou assuntos associados à questão da perceção da imagem pictórica, fotográfica e em movimento nas últimas décadas em Portugal. Encontrei, há pouco tempo, uma entrevista que ele deu à RTP numa altura em que a televisão em Portugal ainda era a preto e branco: o entrevistador, inocentemente, pedia ao artista para descrever o seu trabalho. Tarefa impossível: nessa altura o Ângelo só dizia, “aí em casa não vão perceber nada, vão ver só uma mancha cinzenta”, ou algo assim. Porque essa é a verdade inabalável na pintura do Ângelo: tem de ser vista de longe, de perto, de longe outra vez, de perto novamente e assim deixar-se imergir na hipnótica camada de surpresas cuidadosamente manipuladas pelo artista em cada um dos seus trabalhos. Poucos, no nosso contexto, souberam ser tão fiéis a um programa que sabia ser o seu como o Ângelo (e aqui começamos a perceber a tessitura que compõe na sua exemplaridade esta exposição).
Zulmiro de Carvalho é uma presença demasiado oculta no panorama da arte portuguesa contemporânea ainda que sem qualquer sombra de dúvida tenha ajudado a redefinir o contexto da escultura a partir da década de setenta do século passado.
O natural e o cultural acabam por confluir na sua obra de modo intermitente. Sempre próximo de um programa minimal, o desenho que agora apresenta (mostrado pela primeira vez aquando da sua participação na Bienal de São Paulo de 1982) remete para uma organicidade da linha que dialoga com o próprio suporte de madeira. Por seu turno, a escultura deriva de uma recombinação de elementos que se cristalizam desta vez numa conjugação inédita (daí a datação de 2012-2021). A verticalidade das dobras no ferro parece contradizer a natureza do material conferindo-lhe uma leveza e graciosidade muito particulares. É, portanto, uma obra que potencia uma imaginação derivativa ao conter na sua génese uma plêiade de formações possíveis.
De Francisco Tropa apresenta-se uma série de desenhos de 2009 e duas esculturas: Melões de 2019 e Costela de 2021. Nele a natureza é um exercício de memória: uma arqueologia do detalhe nos desenhos, como se a frottage indicasse um desejo de impermanência capturada.
A banalidade dos Melões impõe-se como não-tema numa primeira leitura. Poderia ecoar a lembrança vaga de um bodégon barroco, não fora a crueza perturbadora de um hiper-realismo desviante. Tal como nas maçãs de Cézanne, sentimos-lhes o peso, a visão torna-se tátil. Mais uma vez apreendemos a vontade do artista jogar com a efemeridade de um estado, de uma condição, aqui fixados na aleatoriedade de uma escolha.
A escultura mais recente, Costela, reincide na ideia de uma arqueologia metamórfica. A sua gravitas ancora-se na evidência figural, onde a escala desenha um corpo estranho e impositivo no espaço. De um tempo sem tempo, de um corpo sem corpo, a mera presença é inquietude materializada.
No contexto da cultura contemporânea há momentos que se definem pela apreensão generalizada de que um determinado autor se evidencia pela sua voz. Se quisermos exemplificar literalmente, Bob Dylan será a voz de múltiplas gerações. Na fotografia contemporânea ninguém questionará que Paulo Nozolino seja uma das mais coerentes e singulares vozes. Gosto da analogia, porque as suas imagens parecem sussurrar um texto nunca escrito. Tal como o rabi que no campo de concentração acalmava os seus companheiros na desgraça que ficaram destroçados quando os nazis lhes confiscaram a Torá; no exercício de humanidade mais tocante disse: não se preocupem, leiam-me!
Porque podemos tirar tudo a um ser humano, e a história tem vindo a repetir esse exercício de degradação final, mas o que verdadeiramente nos define, as palavras, as imagens, as memórias que retemos, ninguém as pode usurpar. E assim são a imagens de Paulo Nozolino: uma cartografia de um mundo que não esconde as rugosidades de um sentir contemporâneo onde culpa e desejo se podem miscigenar, onde a banalidade derisória é abandono letal, onde o tempo é um ontem incómodo e um amanhã esquecido.
Miguel von Hafe Pérez
